Le Plateau - Hôtel de Région

Créée en 2002 par le macLYON, Rendez-vous, plateforme internationale dédiée à la jeune création, associe depuis 2003 et de façon inédite en France, trois institutions: le Musée d’art contemporain de Lyon, l’Institut d’art contemporain, Villeurbanne / Rhône-Alpes et l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon. Rendez-vous présente l’oeuvre de dix jeunes artistes de Rhône-Alpes associés à dix jeunes artistes du monde entier choisis par dix directeurs de biennales. En collaborant avec ces biennales, Rendez-vous est un projet unique qui donne lieu les années impaires à une exposition inédite ; et les années paires, à une exposition hors d’Europe accompagnée de résidences (2008 et 2010 à Shanghai, 2012 à Cape Town…). Les artistes 2013 sont : Mathilde Barrio Nuevo, Sophie Bonnet Pourpet, Thibault Brunet, Jean-Alain Corre, Dan Finsel, André Fortino, Nikita Kadan, Karim Kal, Guillaume Louot, Paribartana Mohanty, Nicolas Momein, Nelly Monnier, Mathilde Du Sordet, Hasan & Husain Essop, Paula Kraus, Charles Lim, Angelica Mesiti, Iz Öztat, Part Time Suite et Lu Yang. En collaboration avec les commissaires des biennales invitées : Juliana Engberg, Sydney (Australie) ; Andre Severo, São Paulo (Brésil) ; Li Xu, Shanghai (Chine) ; Sunjung Kim, Gwangju (Corée du Sud) ; Bose Krishnamachari, Kochi Muziris (Inde) ; Riason Naidoo, Dakar (Sénégal) ; Tan Boon Hui, Singapour ; Fulya Erdemci, Istanbul (Turquie) ;Natalia Zabolotna et Oleksandr Soloviov, Kiev (Ukraine) ; Ali Subotnick, Los Angeles (USA). Commissariat : Thierry Raspail et Isabelle Bertolotti, Musée d’art contemporain de Lyon ; Nathalie Ergino, Institut d’art contemporain, Villeurbanne / Rhône-Alpes ; Emmanuel Tibloux, École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon.

L’IAC invite Manfred Pernice à réaliser sa première exposition monographique d’ampleur en France. L’artiste allemand développe son oeuvre à partir d’un assemblage de matériaux comme le carton, des panneaux de bois, de béton ou de céramique associés, parfois, à des photographies et des dessins. Réalisées en fonction de la structure de l’espace, ses propositions aux multiples références (architecture, espaces urbains, mobilier, etc.) proposent des scénarios aux options ouvertes sur le potentiel d’évocation que peut transmettre son travail.

« Oliver Beer, Julian Charriere, Benoit Pype et Jeremy Shaw : les oeuvres de ces quatre artistes, présentées dans le nouveau bâtiment d’Euronews conçu par le duo d’architectes Jakob + Mac Farlane, franchissent la barrière matérielle du visible en s’intéressant aux phénomènes qui résident au-delà de notre oeil et de notre perception immédiate. Autour des scénarios de l’invisible, et rejouant le thème de la narration au coeur de la Biennale de Lyon, chacune des oeuvres observe l’incomplétude de notre perception et révèle l’inachèvement du présent. Utilisant l’énergie de la pensée, l’accident,les micro-organismes, une explosion nucléaire, une note de musique ou la transe comme révélateurs de l’imperceptible, ces artistes attirent notre attention sur les mouvements et la beauté du non-visible. Cette exposition réunit des oeuvres sous le signe de la fragilité et la précarité des savoirs, de la connaissance et du langage, dévoilant une négociation permanente avec une histoire vivante, continue, et mouvante. Fonctionnant comme des empreintes, des tentatives d’enregistrement ou des formules allégoriques, ces artistes se font l’écho d’intrigues immatérielles et pourtant tout à fait réelles, devenant des intermédiaires entre l’homme et la difficulté de dire et raconter la complexité du monde » (Rebecca Lamarche-Vadel, commissaire de l’exposition).

« Justine Pluvinage, None Futbol Club, Pierre Seinturier, lauréats du 58ème Salon de Montrouge, investissent le Musée des Tissus et le Musée des Arts décoratifs.Fondés en 1856 dans la lignée de la première Exposition universelle, à la demande des industriels lyonnais, et gérés depuis lors par la Chambre de Commerce et d’Industrie de Lyon, le musée des Tissus et le musée des Arts décoratifs sont les premiers musées d’arts appliqués à l’industrie créés en France. Leur mission, depuis l’origine, est de renouveler la création contemporaine par les meilleurs exemples du passé. Le Salon de Montrouge propose chaque année environ 80 artistes émergents. Chaque artiste sélectionné présente lors du Salon un ensemble d’oeuvres permettant aux visiteurs d’appréhender le mieux possible son travail artistique. Pour la 5ème année consécutive, les lauréats du Salon bénéficient d’une exposition dans le cadre des Modules Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent du Palais de Tokyo » (Julien Fronsacq, commissaire de l’exposition).

Bruno Botella est venu à la sculpture par le dessin et  le dessin animé. Non-narratifs et dépourvus de figures humaines, les boucles de dessins animés qu’il crée se développent sur fond d’architectures des plus fantasques : une ville en feu, des manoirs hantés, des kiosques qui tournent en vain sur eux-mêmes jusqu’à ce qu’ils occupent toute l’image puis explosent en motifs psychédéliques. Atterrissage ou fin du monde ? L’artiste dépeint avec humour des situations absurdes et noires de par l’enfermement ou l’angoisse de la répétition sans fin qu’elles évoquent. L’étrangeté et l’incongruité de ces scènes se retrouvent dans les sculptures de Botella. Par le biais d’expérimentations quasi-scientifiques, il invente des modes de reproduction d’images et de formes qui relèvent de pièges perceptifs et cognitifs et d’hallucinations.

Le travail de l’artiste américain David Malek semble s’inscrire de manière exclusive dans une histoire spécifique, celle de la peinture abstraite américaine. Il a pourtant réalisé indifféremment ces dernières années des séries géométriques et des séries figuratives qui ont beaucoup en commun d’un point de vue conceptuel. Et s’il est entendu que la reproduction d’une oeuvre d’art est toujours mensongère, cette affirmation se vérifie particulièrement devant l’oeuvre de Malek. De loin, les images de ses oeuvres promettent une peinture lisse, propre, et graphique. De près, ses oeuvres sont épaisses et artisanales. Il ne s’agit pas ici de fétichiser la matière, l’accident ou le fait-main, ou de valoriser le mal-fait contre le bien fait – il s’agit simplement d’indiquer que la peinture de Malek est le fruit d’une croyance rationnelle et qu’elle défend résolument une approche matérialiste de l’art. À l’occasion de son exposition au Centre hospitalier Saint Joseph Saint Luc, David Malek propose un ensemble d’oeuvres conçues spécialement pour le bâtiment.

Si la topographie consiste à mettre en forme un lieu en le recomposant selon un système abstrait de points et de lignes, elle se rapporte surtout, dans le travail de Jennifer Caubet, à la réalité variable de ces espaces « entre » les lignes. Intitulée Topographies relatives, son exposition personnelle à la BF15, travaille cette notion à la charnière de la représentation et de l’expérience. Sa proposition nous introduit ici dans des zones de virtualités spatiales, à partir de fragments et de greffes architecturales venant habiter temporairement l’endroit.

Mort à crédit et en stéréo est une exposition longmétrée, soit une exposition imaginée comme un film qui pourrait avoir comme teaser cette déclaration d’Edward Steichen : « L’exposition est un film dans lequel c’est vous qui bougez et où ce sont les images qui restent immobiles ». Mort à crédit et en stéréo se présente sous la forme de différents projets photographiques qui, chacun, jouent pour l’occasion une partie du film : Partenaires, en gros ouvre le film en guise de générique. De l’inconvénient d’être né assume les dialogues ou plus précisément les intertitres, le casting des rôles a été réalisé dans Les Contrées nulles et la bande originale est issue de La Tête au carré. Avec un brin de facilité qui associe bien souvent concupiscence et audience, Planète interdite se charge des scènes dites « de cul », improbité modérée par un script signé Paul Valéry : Fin de Monsieur Teste. Que les spectateurs les plus rétifs à la chose méditative ne s’alarment pas pour autant, ils pourront compter sur leur lot d’actions, effets très spéciaux et autres scènes haletantes que n’aurait pas désavoués Bruce Willis, extraits du projet en cours : La Photographie n’est pas responsable. Puisqu’on vous le dit.

François Morellet en 2009, Véra Molnar, Stéphane Couturier et Ian Tyson en 2010, Alan Charlton en 2011 et Eric Michel en 2012 se sont succédés pour tenter l’aventure d’une rencontre avec un lieu spirituel vivant, le couvent de la Tourette, dont la qualité architecturale abrite une vie à la fois humaine, spirituelle, laborieuse et culturelle. Cette année, ce sont Anne et Patrick Poirier qui sont invités. À la fois sculpteurs, architectes et archéologues, Anne et Patrick Poirier explorent sites et vestiges issus de civilisations anciennes, afin de les faire revivre par des reconstitutions miniaturisées. Leurs travaux – herbiers, dessins, photographies ou maquettes – sont une réinvention d’un passé où se confondent lieux réels et paysages oniriques, ruines imaginaires et fragments archéologiques. Pour leur exposition au couvent de La Tourette, Anne et Patrick Poirier ont souhaité s’emparer de la tension propre au chef d’oeuvre de Le Corbusier, entre paysage et utopie architecturale réalisée, avec un ensemble d’oeuvres produites pour l’occasion qu’accompagnent des pièces récentes présentées pour la première fois en France.

Laurent Mulot a créé une oeuvre générique intitulée Middle of Nowhere, qu’il a développée plusieurs années et qui est une véritable matrice pour ses autres projets. Son exposition au Plateau commence ainsi avec cette oeuvre et se termine par elle. Middle of Nowhere raconte l’histoire de centres d’art fantômes que l’artiste a créés en différents endroits du monde avec la complicité des résidents locaux qui en sont les « conservateurs » : Australie, Chine, France, Amérique latine, Maroc, Antarctique, et bientôt la station MIR. Mais Laurent Mulot s’intéresse aussi à la recherche fondamentale et à la poésie qu’elle suscite. Son exposition est une forme de rétrospective-étape dans laquelle l’imaginaire le plus éthéré affronte avec succès le pragmatisme de la « réalité ». C’est, ni plus ni moins, ce à quoi se frottent l’art et la science.

Didier Marcel

Sculpteur français, Didier Marcel joue sur l’ambiguïté du naturel et de l’artificiel à travers des moulages de végétaux ou de minéraux.

Les peintures d’Aurélien Pescher prennent forme en partant du réel au moyen d’images photographiques. Celui-ci y incorpore ensuite ses visions et ses intuitions personnelles. Non sans humour, Stéphanie Cailleau se qualifie volontiers de « feutreuse tout terrain». Ses oeuvres, créées ou déployées in situ, mais toujours en feutre, viennent se lover ou se greffer dans la nature jusqu’à pointer l’hybridation d’une ère postindustrielle.

D’une densité telle qu’ils frôlent l’abstraction, les tableaux de Florent Espana, de la série Favelas, jouent à a fois sur l’être humain et son milieu de vie et questionnent l’avenir de nos sociétés.

Le Musée d’art moderne de Saint-Etienne Métropole a mis en place dès 2009 Local Line, expositions destinées à valoriser les jeunes artistes qui travaillent sur le territoire stéphanois. Après 16 éditions, Echo(s))), manifestation initiée par Saint-Etienne Métropole, offre un prolongement de cette proposition avec une vingtaine de jeunes artistes actifs en Rhône-Alpes. L’exposition se développe sur trois sites : une usine (site Novaciéries à Saint-Chamond), une église (Eglise Saint-Pierrede Le Corbusier à Firminy) et un musée (le Musée d’artmoderne de Saint-Etienne Métropole). Les particularités de chaque site induisent des typologies particulières d’oeuvres sélectionnées sur la base d’un dialogue entre architecture, usage, mémoires collectives et individuelles. Les connexions propres à ce qui fait l’originalité de ces espaces – lieu de culte, lieu de travail, lieu d’éducation – ont motivé le choix des artistes. Ainsi se tissent des rapports implicites où se mêlent la conductibilité, le magnétisme, la machine, la lumière, le spirituel, le contemplatif… Toutes les formes d’art entrent en résonance et en dialogue pour percevoir et penser l’art tel un conducteur qui révèle, indique, assigne, ouvre… Artistes : Zoé Benoit, Nicolas AA Brun, Laurent Da Sylva et Emilie Peythieu au Musée d’art moderne ; Julia Cottin, François Daillant, Wandrille Duruflé, Hugo Livet, Sébastien Maloberti, Fanny Melay, Johan Rivat & Anthony Lenoir, Jean-Baptiste Sauvage, Yannick Vey à Saint-Chamond ; Jesus Alberto Benitez, Laurence Cathala, Flavie Cournil, Rémi de Chiarra, Sébastien Maloberti et Jérôme Michel à Firminy.

Commissariat : Jean-Marc Cerino, Philippe Roux,Pascal Thevenet.

Les robes de Catherine Noury parlent de tous ces vêtements mythiques, voire magiques, qui parcourent nos récits : de la toison d’or à la robe de fée, des bottes du chat au masque de Zorro… Des vêtements qui construisent un territoire, un monde imaginaire et sont une invitation à produire de micro-récits.

Les robes de Catherine Noury parlent de tous ces vêtements mythiques, voire magiques, qui parcourent nos récits : de la toison d’or à la robe de fée, des bottes du chat au masque de Zorro… Des vêtements qui construisent un territoire, un monde imaginaire et sont une invitation à produire de micro-récits.